sábado, septiembre 26, 2009

CONTRAVENTO


Este sábado 26 de setembro inaugurase a exposición CONTRAVENTO na que participan:

Rosa Mozo ( escultura)
Manuel Nantes ( pintura)
Fernando Morales (pintura)
Zacarias Castro (pintura)
Toño Pérez ( escultura)

Na casa Museo de Monçao as 6.30 h (hora portuguesa) hasta ó 15 de outubro 2009

viernes, septiembre 25, 2009

CONCIERTO SOLIDARIO SOS MASSÓ


O próximo sábado 26 de setembro, concerto solidario no campo de fotbol do Monte Carrasco (Darbo) co fin de recaudar fondos cos que facer fronte ás multas e xuizos contra mariñeiros e veciñ*s. www.cangasnonsevende,org
Si queredes saber mais ....ver a ria non se vende.

Entrada 5€

Dakidaria http://www.myspace.com/dakidarria


Stupenda Jones http://www.myspace.com/stupendajones


Sonoro Maxín http://www.myspace.com/osonoromaxin


Dios ke te crew http://www.myspace.com/diosketecrew

lunes, septiembre 21, 2009

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CERÀMICA: terrània 09

Ens plau convidar-vos al 7è Festival Internacional de Ceràmica que es celebra el cap de setmana vinent a Montblanc (25, 26 i 27 setembre) a l'antiga església de St Francesc.

Els visitants a la fira participaran cada dia del sorteig de 100 eur per a adquirir ceràmica dels expositors d'enguany. 
Hi haurà cuites experimentals així com demostracions de torn i modelat a la plaça de St Francesc.
S'inauguraran les exposicions Ceràmica negra de Quart i Verdú i la Col·lectiva dels artistes participants de Terrània de la que els beneficis es destinaran a l'ONG Turisme Just.
Els ceramistes participants provenen de Catalunya, Alemanya, Espanya, França i Regne Unit.

Podeu consultar l'agenda de les activitats així com el llistat de ceramistes participants clicant aquí

Us hi esperem!!!

 
penélope vallejo



LA JOYA ANTICONSUMISTA


Cargado por quomodo. -
Irónico y corrosivo documental de Erik Gandini, realizado por la productora independiente ALMO de Estocolmo. Análisis del papel del consumidor actual. Una representación perfecta y excepcional de la cultura antisistema, logra poner en evidencia las contradicciones del sistema.

miércoles, septiembre 16, 2009

CAI GUO-QIANG




Cai Guo-Qiang nació en 1957 en Quanzhou, una ciudad costera de la provincia de Fujian, en el sudeste de China. La rica historia de la ciudad portuaria ha constituido una fuente esencial de inspiración para el artista. Durante el régimen de Mao, en Quanzhou sobrevivieron algunas costumbres prohibidas en otras regiones, lo que supuso un estímulo para el en su infancia. En la década de 1980, estudia escenografía en Shanghai. En 1986 se traslada a Japón y en 1995 a Nueva York
donde reside en la actualidad.
La pólvora, el óleo, el vídeo, la arcilla son sólo algunos de los diversos materiales que ha empleado para crear. La crítica describe a Cai Guo-Qiang como un artista transgresor y provocador cuyo punto de partida es crear con la destrucción del fuego.
Cai Guo-Qiang utiliza la pólvora en sus delicadas creaciones que incluyen papel y espectaculares proyectos en los que participa el público.


La pólvora –en chino, significa literalmente, “medicina de fuego”– es uno de los inventos chinos más célebres.
Cai Guo-Qiang empezó a aplicar pólvora y mechas con el fin de crear proyectos de explosión para una audiencia pública. Empleó como marco físico superficies y estructuras ya existentes.
Los primeros proyectos tuvieron una duración de entre uno y quince segundos. Ahora produce proyectos de explosión aérea que, con frecuencia, se desarrollan en colaboración con pirotécnicos profesionales. Más recientemente, el artista ha aprovechado la tecnología informática en la concepción de las estructuras pirotécnicas para crear explosiones más precisas y elaborados.
Aros Olímpicos
Desde mediados de la década de 1990,se ha apropiado del hongo atómico y ha propuesto que este memorable icono del siglo XX puede arrojar una luz en nuestra conciencia colectiva si se presenta en forma de obra de arte ,yuxtaponiendo imágenes de un hongo atómico con dos verdaderas setas lingzhi , utilizadas en la medicina tradicional china con fines terapéuticos.

Además, en su obra Las huellas de la historia (2008),ha realizado un gran dibujo panorámico con pólvora de más de 33 metros de longitud.

La práctica artística se amplía para incluir instalaciones interactivas que a menudo recuperan signos y símbolos de la cultura china y ponen de manifiesto de una manera brillante la dialéctica entre la historia local y la globalización.

Algunas de las instalaciones clave en el reconocimiento internacional del artista . Es el caso de Reflexión—Un regalo de Iwaki (2004), una obra en la que los restos de un barco naufragado se convierten en receptáculo para varias toneladas de cerámica blanca, procedente de miles de platos rotos.



Otra instalación clave es Patio de la recaudación de la renta de Bilbao (2009), que incluye más de setenta esculturas de arcilla de tamaño natural dispuestas en distintas escenas narrativas que se construyen in situ con la colaboración de escultores chinos y locales. La pieza está inspirada en un conjunto escultórico del realismo socialista de 1965, que representa la miseria de los campesinos bajo el yugo de un terrateniente explotador durante el gobierno prerrevolucionario del Kuomintang, y que supuso un adelanto del celo propagandístico del arte del realismo socialista durante la Revolución Cultural China (1966–1976).






Durante toda una década, Patio de la recaudación de la renta (Shou Zu Yuan) se reprodujo e instaló en ciudades de toda China, llegando a ser la imagen política más reincidente y con más carga emocional después del retrato de Mao. La intención de Cai al mostrar esta obra realista socialista de gran carga histórica es ampliar nuestra comprensión del arte contemporáneo al hacer patente el impacto masivo y el poder emocional de un estilo artístico aparentemente «retrógrado» que dominó en China durante décadas. Del mismo modo, la pieza supone una mordaz reflexión sobre el destino del arte y los artistas bajo la manipulación de la ideología política. Para llevar a cabo la nueva recreación de esa instalación en Bilbao, el artista ha invitado a cuatro escultores chinos y a estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de la UPV-EHU para la recreación in situ de las obras, dejando que se descompongan posteriormente en el transcurso de la exposición.

Cabe destacar también la presencia en Bilbao de otra obra clave de gran espectacularidad y belleza estética que subraya la relación del artista y de la Solomon R. Guggenheim Foundation. Realizada para la muestra individual del artista en el Deutsche Guggenheim de Berlín en 2006. De Frente es una especie de retablo en el que 99 réplicas de lobos a tamaño real corren desaforados hacia –y contra– una pared transparente de cristal.





INOPPORTUNE: STAGE ONE (Inoportuno: primer paso). Es una obra del 2004 compuesta por nueve automóviles y tubos de luz secuenciales, donde todo nos hace pensar en el caos producido, por ejemplo por una explosión, con los autos volando por los aires.



Puso en marcha los denominados “proyectos sociales” a comienzos de la década de 1990, trabajando para ello en emplazamientos que no guardan relación con el arte y con voluntarios ajenos al mundo del arte profesional, con el objetivo de crear espacios para el debate. Estos continuos experimentos e intervenciones desarrollan los ideales utópicos del artista en relación con el compromiso y la movilización social, con una creencia continua en la naturaleza transformacional y en el potencial de diálogo que se encuentra en las comunidades de personas.


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miércoles, septiembre 09, 2009

DADAISMO

Viajando a través de la historia y refrescando la memoria después de ver las ideas que se estaban trabajando en la BAUHAUS ( Alemania) al mismo tiempo otra panda en SUIZA, estaba desarrollando otro movimiento, EL DADAISMO.



El Dadaísmo nació en Suiza durante la Primera Guerra Mundial. El dadaismo surge como el producto de la desilusión de la Primera Guerra Mundial, de la carnicería tan espantosa que hubo. Pensaban que la civilización que había producido esos horrores debía ser barrida y comenzar otra nueva


Durante una reunión en el café Cabaret Voltaire de Zurich, Suiza (1916), un grupo de jóvenes inconformistas, contrarios a la primera guerra mundial decide construir un movimiento artístico y literario completamente revolucionario.
No era tanto un movimiento artístico como una actitud, una actitud de revuelta y de desprecio, de disgusto frente al orden social existente, caracterizado por una avaricia inhumana y un ansia de poder, y frente al arte tradicional, que había quedado invalidado por el hecho de que la sociedad lo consideró respetable.


Los Dadaístas experimentaron diversos estilos artísticos, algunos de los cuales serían desarrollados posteriormente por los Surrealistas. En el período de entreguerras, el Surrealismo (asentado en París y altamente cosmopolita) dominó el mundo del arte y jugó un papel importante en la literatura y en el cine. A partir de mediados de los años 40, muchos de sus reclutas más relevantes vinieron de América

El grupo de Zurich
Suiza, a partir del estallido de la guerra en 1914, se convierte en un centro de refugiados pacifistas de toda Europa. Allí se encontraron todos los disidentes de otras escuelas previas, tales como el expresionismo alemán, el futurismo italiano o el cubismo francés. En 1916, en Zurich, un grupo de artistas instalaron en una cervecería un pequeño cabaret, al que bautizaron como "Cabaret Voltaire". Allí se reunieron el filósofo Hugo Ball, el poeta Tristan Tzara, el pintor marcel Janco, ambos refugiados rumanos, y el pintor alsaciano Jeans (Hans) Arp. A partir de ese encuentro comenzaron una serie de actividades en el cabaret así como editaron la revista que llevaría la difusión de las ideas con el nombre de "Dada"gracias a ella, el movimiento se fue extendiendo por Alemania, París, Nueva York... .
En pocos meses los espectáculos del café Voltaire fueron famosos en la ciudad Suiza. El espectáculo dadaísta había nacido, cargado de provocación, tendencia agresiva, propuestas ilógicas y absurdas.

El origen del término Dada es confuso y controvertido. De acuerdo con la versión de Tzara y Ball, la palabra surge de la casualidad: abriendo las páginas de un diccionario con la ayuda de un cuchillo, el primer término señalado fue ese: dada. De acuerdo con otras versiones, fueron los camareros del Café Terrasse, lugar donde se solían encontrar estos artistas centroeuropeos, quienes identificaron primeramente al grupo como dada: para esos camareros, las lenguas habladas por aquellos emigrados eran incomprensibles, salvo la sílaba "da-da" ("sí, sí", en ruso y otras lenguas)


  • En Berlín.Procedente del grupo de Zurich, Richard Huelsenbeck,

  • trae a Berlin el espíritu dadaista, pero mucho más radical contra las anteriores escuelas vanguardistas (futurismo, cubismo). Junto con el poeta Raoul Hausman promueve declaraciones y manifiestos a partir del "Dada Club".
  • Junto a los anteriores destacarán el pintor Georg Grosz,
  • agudo crítico del militarismo y del capitalismo alemán de aquellos años, y los hermanos Herfelde, uno famoso divulgador de la técnica artística del fotomontaje, otro indispensable editor de las obras dadaistas de aquellos años, trabajan los pintores Raoul Hausmann y Hannah Höch. Ellos introdujeron en Alemania la técnica del collage...El movimiento dada berlinés pasará a la historia por la incorporación de las nuevas técnicas artísticas de difusión de ideas entre las masas, principalmente el fotomontaje. La constitución de la República de Weimar en 1919 marca el fin de los proyectos políticos dadaistas y la resituación de este grupo en los marcos artísticos.
  • En Nueva York.
  • También la declaración de guerra llevó a la ciudad americana a grupos de artistas refugiados. Entre ellos hay que destacar a Duchamp y Picabia. Allí se integraron con las corrientes vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en Harlem, Greenwich Village y Chinatown. Aunque Nueva York no era Zurich, ni existía ese clima de refugiados políticos de la ciudad suiza, el espíritu iconoclasta, recalcitrante y nihilista fue idéntico. En marzo de 1915 nace la revista "291", nombre tomado del número de la casa ocupada por una galería de arte en la Quinta Avenida. Duchamp, Picabia, Jean Crotti, como europeos refugiados, junto con los americanos Man Ray, Morton Schamberg y otros dan vida al dada neoyorquino.
  • Francis Picabia, y sus máquinas en que se burla de la ciencia. En 1917 Francis Picabia, un pintor francés, refugiado también en Suiza entra en contacto con Tzara. Ambos darán sentido al Manifiesto Dada de 1918, posiblemente el documento más importante del movimiento dadaísta de Zurich. Tras el fin de la guerra, el dadaismo cautiva a los artistas vanguardistas de París, produciéndose un resurgimiento del mismo. El Zurich dada, con la diáspora de sus refugiados, se había acabado.
  • Man Ray, cuyos fotomontajes se divulgaron en la revista Camera Work.
  • Marcel Duchamp, cuya principal aportación es el ready-made . Éste consiste en entresacar un objeto de su contexto para situarlo en otro distinto que pertenece al ámbito de lo artístico. Esto supuso una gran transformación del concepto de arte. Los cimientos en los que se había fundamentado el arte empiezan a resentirse muy seriamente.
  • En París, el Dadaísmo halló seguidores, destacaron poetas que más tarde formarían el grupo surrealista.

El dadaísmo fue un movimiento que abarcó todos los géneros artísticos en el cual todo estaba permitido. A este movimiento le debemos el collage, los murales y sobre todo, el haber sacado el arte de los museos y de la casa de los burgueses. Esto sucedió gracias a su pensamiento liberal y revolucionario, ya que pensaban que el arte debía ser popular, y no solo para la clase alta.


  • Más que valorar sus obras, debemos valorar sus pensamientos que buscan la liberación artística, en cuanto al rompimiento a los valores dogmáticos de la época con respecto a este tema.

    Pero también tuvieron que luchar contra una fuerte crítica que le imponía la sociedad ya que esta era muy conservadora y no se acostumbraba a esta nueva ola de pensamientos que iban en contra de las normas establecidas. Un claro ejemplo de esto era que en sus representaciones el público les arrojaba todo tipo de frutas y verduras podridas demostrando su rechazo.

    Abrieron una puerta definitiva a lo posible y lo imposible, a lo todo y a la nada. Uno de sus méritos más grandes fue también la destrucción necesaria para la creación, naciendo así de las cenizas del dadaísmo, el SURREALISMo.

  • jueves, septiembre 03, 2009

    BAUHAUS



    El principal objetivo de la Bauhaus, la Casa de la Construcción, era la renovación de la arquitectura, del mobiliario urbano y del diseño.
    Sus principales representantes serán los arquitectos Walter Gropius y Mies van der. Rohe. que contaron con grandes profesores entre otros Johannes Itten (quien realizó el curso preparatorio y el centro del proyecto pedagógico), Lyonel Feininger, Georg Muche, Paul Klee, Josef Albers, Hinnerk Scheper, Lazlo Moholy-Nagy, Herbert Bayer, Gerhard Marcks, Oskar Schlemmer, Lothar Schreyer, Wassily Kandinsky, Joost Schmidt, Marcel Breuer, Gunta Stölz-Stadler, Theo Van Doesburg, Gyorgy Kepes, Anni Albers, Ludwig Hilberseimer, Lily Reich, Marianne Brandt...



    Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en aquellos tiempos en el desafío de casi todos los movimientos culturales innovadores y apadrinó también la fundación de la Bauhaus.

    En Bauhaus se enseñaba a crear. El trabajo manual era la base del artista. Gropius incitaba a sus alumnos a probar con distintos materiales, a conocer sus propiedades, manejarlos y adoptar el que más le acomodara.

    Querían innovar en el campo artístico introduciendo la noción de arte en diferentes elementos de uso diario. Uno de los principios básicos de la escuela era formar un movimiento de artistas con plena conciencia social e intelectual, formar jóvenes artistas que no cayeran en lo típico. Perseguían la armonía entre arte e industria. Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo era una meta común en los movimientos culturales de la época que pretendían innovar.
    “El artista es un artesano inspirado. Debe tener técnica.” Gropius sostuvo que ambos, arquitectos y artistas, debían volver a ser artesanos.










    Que el artista ya no sea una entidad aislada, si no que entra a la sociedad como un personaje útil, interviene directamente en ella. El arte entra a los hogares con una función.
    “La enseñanza comenzaba con un curso preparatorio de seis meses, dedicado a prácticas de taller con diversos materiales: piedra, madera, metal, barro, vidrio, colorantes y tejidos, juntamente con nociones de dibujo y modelado. El estudiante debía manifestar que material le resultaba mas atrayente y para cual seria una mayor facilidad de trabajo. Los escolares aprendían el manejo de las herramientas y después el uso de las maquinas que en la industria sustituyen a aquellas. En la enseñanza de las formas entraba el estudio de principios fundamentales conocimiento del espacio, de los colores y sobre todo de las formas.”




    A comienzos del siglo XX, la existencia de un mercado cada vez más amplio y exigente requerían productos que fueran accesibles al público en general y no a una elite privilegiada. Esto obligó a los talleres de arte a convertirse en diseñadores industriales. Se trataba de crear productos funcionales y económicos pero a la vez atrayentes para el mercado. Para esto se utilizaron materiales más baratos (como metal, vidrio, cristal, madera, entre otros).


    “Se creía que las formas y los colores básicos representaban un precio industrialmente más económico, por lo que las formas del círculo, el cuadrado y el triángulo fueron tomadas como puntos de partida. En las clases sobre forma se empezaba a trabajar con estas figuras elementales y a cada una de ellas se le atribuía un carácter determinado. Así, el círculo era `fluido y central', el cuadrado resultaba `sereno' y el triángulo, `diagonal'.”



    Este concepto se tomaría más tarde y se le llamó funcionalidad moderna o modernidad internacional. Una de las principales marcas de la escuela Bauhaus fue su empeño en la búsqueda de la racionalidad, de lo fundamental. Buscaban, experimentando, la funcionalidad pura de los distintos elementos. Se regresó a las formas, a los colores elementales. Se enseñó a prescindir de toda osamenta ya que lo que se persigue es lo esencial. Todo se vuelve limpio, nítido, claro.
    Los conceptos de la Bauhaus eran sobrios. Reducen al máximo el uso de colores y formas. Quieren un mundo funcional, por lo que hay reducción de materiales, persiguiendo la economía basados en la racionalidad.





    Se buscaba la vida detrás de las diversas formas. La escuela en sí era un laboratorio, querían ejercer una experiencia vivificante en el mercado pero no absolutamente masiva. Buscan la calidad y no una novedad efímera. Para ellos la belleza radica en el material puro, sin ornamentos.


    Critican el uso de formas innecesarias; una silla para funcionar no necesita adornos. Su tendencia es romper con lo tradicional, con los estilos preestablecidos. La función predomina sobre la forma, hay una estrecha relación entre arquitectura, diseño y ciencias aplicadas. Buscan adecuar los elementos de la vivienda a las necesidades humanas; proponen una efectiva planificación urbana. Sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidos dentro de esta escuela."

    Personalidades como Charles Édouard Jeanneret-Gris (conocido como Le Corbusier) y Frank Lloyd Wright fueron inspirados por este movimiento y plasmaron sus obras en Europa y EEUU

    Apuntes de Le Corbusier






    Frank Lloyd Wright